на долгие десятилетия превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы. Многое меняется и в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор единственным коллекционером, появляются частные коллекции, салоны.
В первой половине XVIII в., когда активно происходил процесс вытеснения религиозной культуры светской, ведущим направлением во Франции стало рококо, вытеснившее барокко и ставшее его продолжением. Рококо это легкий, игривый стиль, создающий атмосферу праздности, беззаботности, непринужденного веселья, непритязательного развлечения, характерную для образа жизни французской аристократии. Это был первый стиль «малых форм», ориентированный не на государство, либо религиозную сверхидею, а на человека, его масштаб, потребности, внутренний мир и внешние удобства.
Искусство рококо построено на ассиметрии, создающей ощущение беспокойства игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Неслучайно термин «рококо» произошел от французского «rocaille» буквально «раковина». Название передает главную черту этого стиля – выбор сложной изысканной формы и причудливости линий, напоминающих силуэт морской раковины. При этом трактовка раковины многообразна: то она распускается, словно волнистый веер или павлиний хвост, то распадается на отдельные волнообразные, причудливо изгибающиеся желобки, то предстает как неправильной формы картуш.
Живопись рококо отличают: изящество, легкие и светлые краски, светские, преимущественно любовные, эротические и мифические сюжеты, экзотика.
Ярким представителем французского рококо был Франсуа Буше (1703–1770) («Триумф Венеры» или «Туалет Венеры», «Венера с Амуром», «Купание Дианы»). «Первый художник короля», как он официально именовался, директор Академии, Ф. Буше был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам: панно для отелей, картины для богатых домов и дворцов, картоны для мануфактуры гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, обоев, каминных часов, карет, эскизы костюмов и т. д.
Отчасти близок к рококо Антуан Ватто (1684–1721), у которого учился Ф. Буше. Главным для живописца был мир человеческих чувств («Общество в парке»), не подвластный разуму и не укладывавшийся ни в жесткие правила классицизма, ни в эстетику рококо. Глубокие размышления о сущности подлинно высокого искусства отразились в его полотнах.
Скульптура рококо менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы, терракотовые, мраморные и бисквитные статуэтки, рельефы с изображением купальщиц, нимф, амуров, сатиров и пр. Крупнейшие скульпторы рококо, чьи произведения украшали парки, беседки, салоны, купальни: Жан-Батист Лемуан (1704–1778), Жан-Батист Пигаль (1714–1785), Клодион – псевдоним Клода Мишеля (1738–1814).
Для архитектуры рококо характерно то, что главное внимание зодчего сосредотачивалось на интерьере. Планы зданий рококо большей частью были асимметричны и строились часто на круглых, овальных и восьмиугольных комнатах. Стены окрашивались в светлые, воздушные тона и украшались живописными панно, декоративными тканями, резными панелями, лепниной, зеркалами в вычурных золоченых рамах. Зеркала часто устанавливались друг против друга, чтобы в них множилось, дробилось, делалось фантастичным отражение. Хрустальные люстры, изящная, удобная, хотя и вычурная мебель с инкрустацией. Входят в моду стилизация под Восток: Китай («шинуазери»), Японию («жапонез»), Турцию («туркери»). Крупнейшие французские зодчие рококо: Робер Декотт (1656–1735), Жерман Боффран (1667–1754), Жиль-Мари Оппенор (1672–1742), Жюст-Орейль Мейссонье (ок. 1693–1750).
В Германии тоже наблюдался расцвет рокайльного искусства, который затронул архитектуру. Например, дворец Сан-Суси, Райнсбергский дворец, городской дворец в Потсдаме Георга Венцеслауса фон Кнобельсдорфа (1699–1753). На немецких землях сформировались такие уникальные явления, как летняя увеселительная резиденция (Замок Хельбрунн) и церковная архитектура рококо (базилика Фирценхайлиген Иоганна Бальтазара Неймана (1687–1753)).
Что касается Англии XVIII в., то здесь в условиях экономического и политического господства крупных землевладельцев, приспособившихся к новому строю, и верхушки торгово-промышленной буржуазии осуществлялся промышленный переворот. У некоторых мастеров изобразительного искусства уже зарождались характерные черты реализма развитого буржуазного общества с его прямым анализом конкретных социальных условий жизни, с великолепным чувством социальной характеристики, типов и ситуаций, а также со свойственными ему чертами описательности и прозаизма.
Расцвет национальной школы живописи в Англии начинается с живописца, графика, теоретика искусства Уильяма Хогарта (1697–1764). Им написаны целые серии картин: «Карьера проститутки», «Карьера Мота», «Модный брак». Свои произведения, объединенные в повествовательные циклы, У. Хогарт строил как драматург, он разыгрывал действие как искусный режиссер. Каждая из его картин в сериях самостоятельна и изображает узловой момент всей истории, но несколько деталей связывают его с предыдущими событиями и последующими. Так, гусь в корзинке Мэри говорит о том, что она приехала из деревни, а сводня и господин у трактира – о ее будущей судьбе. Картины У. Хогарта, достоверные и по сюжету, и в деталях быта, звучали морализаторски-назидательно, как воскресная проповедь. Считается, что до У. Хогарта в Англии не было великой живописи, и что У. Хогарт стал ее первым представителем, создавшим новым пластическим языком, как в живописи, так и в графике, острые социальные сатиры.
Лучшие достижения английской живописи XVIII в. лежат в области портретного жанра: Джошуа Рейнолдс (1723–1792) («Адмирал лорд Дж. Хитфилд», «Лоренс Стерн», «Дэвид Гаррик», «Сара Сиддонс в образе музы трагедии», «Нелли О'Брайен»), Томас Гейнсборо (1727–1888) (портрет Сары Сиддонс, «Мистер Эндрюс с женой», «Миссис Грэхем»), Джордж Ромни (1734–1802) («Дочь пастора», «Миссис Грир»).
Другим важнейшим стилем в европейском искусстве XVIII в. стал так называемый неоклассицизм, тесно связанный с идеями просветителей, которые видели в Античности идеалы свободного развития личности и общества. Искусство эпохи Просвещения использовало старые стилистические формы классицизма, отражая при их помощи уже совершенно иное содержание. Новый всплеск интереса к античной культуре был вызван осмыслением первых археологических раскопок в античных городах Геркулануме, Стабии и Помпеях, завершившимся знаменитым трудом немецкого искусствоведа Иоганна Иоахима Винкельмана (1717–1768) «История искусства древности».
Самым ярким представителем неоклассицизма в живописи был Жак-Луи Давид (1748–1825), воспевавший в своем творчестве античные примеры суровой гражданской доблести и бескорыстного служения общему делу («Смерть Марата», «Клятва Горациев», «Смерть Сократа» и др.).
В архитектуре появились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади: площадь Согласия, Малый Трианон, здание Оперы Анж-Жака Габриэля (1698–1782); Пантеон, Большой театр Жак-Жермена Суффло (1713–1780) в Лионе. Под влиянием французского классицизма развивается немецкая архитектура, для которой характерна суровая монументальность построек: Новая караульня, Королевский драматический театр, Старый музей Карла Фридриха Шинкеля (1781–1841); Бранденбургские ворота в Берлине Карла Готтхарда Лангганса (1732–1808); Новый Эрмитаж в Санкт-Петербурге Лео фон Кленце (1784–1864).
Утверждение просветительских идей шло от имени третьего сословия, вышедшего на арену истории и заявившего о себе и в искусстве. Обозначившийся в 60–70-х гг. XVIII в. интерес к голландскому реализму был вызван несомненным влиянием буржуазии. В русле новых эстетических идей в искусстве развивается творчество Жан-Батиста-Симона Шардена (1699–1779), художника, создавшего, в сущности, новую живописную систему. Выражая вкусы буржуазии, он начинает изображать размеренность, порядок, уют буржуазного быта («Молитва перед обедом», «Прачка», «Женщина, моющая кастрюли»).
Важным
