Читаем без скачивания Галерея Бельведер Вена - М. Силина

Бронция Коллер-Пинель — талантливая австрийская художница первых десятилетий XX века, испытавшая воздействие всех основных веяний модерна. Ее манера эволюционировала от импрессионизма в начале творческого пути, югендстиля до экспрессионизма и «Новой вещественности» в последние годы жизни. Наиболее значимо на Коллер-Пинель повлияли мастера французского постимпрессионизма, такие как Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Очевиден след неопримитивизма: ее работы отличаются непосредственностью взгляда на окружающий мир.

В 1902 художница попала в круг Густава Климта и мастеров Венского сецессиона. Ее дом оформляли такие звезды Сецессиона, как Йозеф Хофманн и Коломан Мозер. В нем Коллер-Пинель устраивала светские вечера, на которых присутствовали философы, музыканты, живописцы, среди них был знаменитый Эгон Шиле.

На этой картине художница воплотила одну из любимых тем постимпрессионистов, сюжет уборки урожая прославил еще Ван Гог. Он традиционно означает желание творца с помощью живописи символически прикоснуться к простой человеческой жизни. Мастера того времени искали в недрах крестьянского быта источник очищения от городской суетности. Зрителю не видны лица персонажей, только их сгорбленные фигуры. Безымянные герои сосредоточены на своей работе, они слишком незначительны на фоне уходящей за горизонт земли. Снопы выполнены почти наивно и своей монотонностью образуют своеобразный орнамент.

Коллер-Пинель — одна из немногих женщин того времени, которая смогла добиться успеха и признания на живописном поприще. Может быть, именно поэтому, несмотря на великолепное качество работ и высокий профессионализм, ее творчество часто вызывало нападки критиков. В наше время имя Коллер-Пинель прочно вошло в историю европейского искусства.

Ловис Коринт — один из ярких представителей немецкого импрессионизма. Художник попробовал себя в разных темах: был мастером портрета, плодотворно работал над сюжетами античной мифологии. С 1891 Коринт присоединился к Берлинскому сецессиону. Наряду с другим знаменитым немецким импрессионистом Максом Либерманом живописец считался самым популярным и востребованным художником этого блистательного берлинского объединения.

1909 он провел на мекленбургском курорте. Картины этого периода отличаются особым спокойствием, теплотой домашней атмосферы. На представленном полотне изображена супруга автора. Работа выполнена в лучших традициях импрессионизма. Мастерски создано пространство: на холсте практически нет пустого, незаполненного места. Зритель оказывается в уютной, любовно обставленной квартире, где все утопает в зелени. Привлекает внимание поза женщины: кажется, что она только присела на диван. Складывается впечатление, что в этом движении, в ее сосредоточенном и спокойном взгляде в книгу отражена суть семейного уюта, которым действительно был окружен художник благодаря заботе своей жены. Известно еще несколько превосходных семейных портретов мастера.

Коломан Мозер — один из самых заметных художников Венского сецессиона, основатель объединения «Венские мастерские». Его творческие принципы, особенно в графике и дизайне, имели принципиальное значение для развития этих областей в XX веке. За свою напряженную творческую жизнь он создал книги, графические работы — от открыток до журнальных виньеток, работал с модной одеждой, создавал витражи, столовую утварь, ювелирные украшения и мебель. Художник любил рисовать простые мужские и женские фигуры, которые своей монументальностью и безыскусностью напоминают произведения другого знаменитого деятеля модерна — Фердинанда Ходлера. Мозер предпочитал голубые и розовые оттенки — типичные для символистов цвета, обозначавшие мистический мир рождения, одиночества и смерти.

Женщина, изображенная в профиль, словно выбелена светом, но его происхождение неясно. Кажется, что это не солнечный, а лунный свет или даже отсветы каких-то невидимых зрителю костров. Так чисто живописными средствами мастер создал загадочную, неоднозначную атмосферу своего лаконичного произведения. Изображение персонажа в профиль, когда взгляд модели уводит зрителя куда-то за край картины, также типично для художников последнего десятилетия XIX — начала XX века, символистов, прерафаэлитов.

Оскар Кокошка — один из самых знаменитых и самобытных художников Австрии, известный благодаря своей запоминающейся экспрессионистической манере живописи.

Наибольшую славу мастеру принесли портреты. Здесь представлен портрет художника Карла Молля. Впечатляет фигура изображенного и его большие руки. Крупные руки — один из традиционных приемов, который означает, что перед зрителем человек труда. Художник, по мнению Кокошки, прежде всего — труженик, а не праздный представитель богемы. Портрет написан в традиционной для автора манере: он густо кладет краску, активно преломляет пространство, кажется, что оно изгибается вместе с фигурой Молля.

Австриец Оскар Ласке известен своими живописными и архитектурными работами. Большая часть наследия художника состоит из зарисовок его путешествий по Европе и Северной Африке. Ласке творил в жанре пейзажа и городской живописи, его полотна отличаются ярким, пронзительным колоритом. Мастер участвовал в боях Первой мировой войны, и этот опыт сильно повлиял на его мировоззрение, найдя отражение в большом числе картин на военные темы и сюжеты нравственного характера.

«Корабль дураков» — работа, обличающая пороки, горькая критика человеческих грехов. Это аллегорическая картина со сложным, многомерным и разветвленным сюжетом. Тема ее не нова в искусстве: известно одноименное произведение (1495–1500, Лувр, Париж) великого нидерландца Иеронима Босха. Полотно можно рассматривать очень долго и находить все новые и новые метафоры и поучительные сюжеты. Например, сцена Распятия призвана показать, что Христос зря отдал свою жизнь за грехи человечества. Справа, почти в середине, изображена большая очередь на биржу труда, свидетельствующая об экономическом кризисе, в котором находились немецкоговорящие страны в конце 1910 — начале 1920-х. Оскар Ласке, вслед за своими средневековыми предшественниками, обличает грехи сладострастия, прелюбодеяния, лжесвидетельства, алчности. Художник вводит изображения представителей богемы, праздной публики, а рядом — сцены прелюбодеяния, средневековые образы смерти в виде скелета с косой, дьявола во фраке, чревоугодников в виде пузатых чудовищ и многое другое.

Подобные полотна, наследующие и актуализирующие морализаторские тенденции средневековой культуры, были очень востребованы после Первой мировой войны. Художники пытались осмыслить цель и жертвы самой крупной и беспощадной бойни того времени.

Густав Климт

Густав Климт — один из самых популярных художников современности. Его работы отличаются высочайшим мастерством и виртуозностью исполнения.

«Портрет Сони Книпс» — образец раннего творчества живописца. Несколько слов необходимо сказать о модели. Соня Книпс, урожденная баронесса Пуатье, была женщиной с тонкой душевной организацией, состояла в браке с обеспеченным мужчиной. Делом ее жизни стала поддержка прославленных «Венских мастерских». Согласившись позировать Климту, она совершила смелый поступок — поддержала скандального художника: дело в том, что ранее Климт создал фрески для оформления Венского университета, которые заказчик признал порнографическими. В этой картине автор рифмует нежный отлив белых цветов и платья героини. Перед зрителем классический портрет, отвечающий идеалам модерна. Художник любуется чертами лица Сони, ее сосредоточенным, «месмерическим» взглядом. Обращает на себя внимание поза девушки: она как будто только присела и на секунду замерла. Особую утонченность портрету придает «налет старины»: платье похоже на средневековые наряды английских королев, цветы как будто вышли с голландских натюрмортов, а черный фон пользовался большой популярностью в европейских портретах знатных особ XV–XVIII веков. На нем еще ярче проступают бледные с отсветом черты лица и одежда Сони. Вокруг женщины возникает особая таинственная аура, как будто художник запечатлел ее душевное состояние, полное спокойного достоинства. Портрет, безусловно, должен был польстить заказчице.