Читаем без скачивания Галерея Бельведер Вена - М. Силина

«Юдифь I» — одна из самых известных картин Густава Климта. Работа выполнена в так называемый золотой период, ставший вершиной его творчества. Тип роковой женщины больше всего привлекал мастера. Моделью полотна стала Адель Блох-Бауэр — жена мецената, богатого индустриального промышленника, который спонсировал мастера. Адель позировала для нескольких известных работ Климта («Портрет Адель Блох-Бауэр I», «Юдифь II»), все они отличаются чувственностью. Эротизированный образ Юдифи был востребован еще со времен Возрождения. Здесь художник изображает Юдифь с головой Олоферна. Героиня является символом орудия победы в руках Господа. Полотно очень богато по фактуре: автор интенсивно использует позолоту, играет на сопоставлении густого черного цвета волос и полупрозрачной ткани накидки.

Картина «Поцелуй» — одна из изюминок коллекции галереи Бельведер, шедевр, до сих пор не потерявший своей пленительной силы. Работа отмечена утонченной декоративностью, изысканной эротичностью и многомерной метафоричностью. Это произведение представляет самый известный этап в творчестве мастера, совершенно закономерно названный «золотым периодом». Позолота появилась в работах Климта после путешествия по Италии, в частности Венеции и Равенне, где он был покорен золотом византийских мозаик и убедился, что лаконизм, плоскостность и условность пространства обладают уникальной силой воздействия. Плоскостные и орнаментальные свойства монументальной живописи модерна позволили художнику гармонично интегрировать спиритуализм древнего религиозного искусства. Мастер создал незабываемый авторский стиль, сплавив воедино органицизм и пронзительную декоративность модерна, символизм цвета и настроение эпохи декаданса.

Производит впечатление совмещение условного золотого фона и покровов героев с реалистической и очень чувственной трактовкой лиц. Золотой фон с мерцающими точками, откровенно орнаментальный рисунок цветов, поляна, похожая на дорожку из самоцветов, и буквально притягивающая взгляд томная чувственность, открытость взгляда женщины сделали картину «Поцелуй» одним из самых узнаваемых в мировой истории искусств произведений. Это аллегорическое по сюжету полотно также является символистским благодаря смысловой нагруженности цвета. Работы «золотого периода» мастера повлияли на принципы искусства и общественный вкус культурной публики первых десятилетий XX века.

Густав Климт знаменит серией женских портретов. Ему заказывали свои изображения самые известные, богатые и влиятельные европейцы начала XX века. На представленном полотне запечатлена Иоганна Штауде (1883-1967), данная работа — одна из последних работ мастера. Обращает на себя внимание благородная простота композиции, героиня смотрит прямо перед собой. Иоганна не раз позировала Климту (кстати, она также была моделью Эгона Шиле). Светлое лицо-маску обрамляют иссиня-черные волосы и меховое боа. Климт использует эстетскую и пронзительную по своему сочетанию гамму ярко-голубого, насыщенного красного и черного цветов. В ряде поздних работ этот портрет выделяется своей простотой, которая подчеркивает красоту женщины. Модель одета в наряд от знаменитых «Венских мастерских».

Галерея Бельведер обладает самой крупной коллекцией работ Густава Климта. Австрийский живописец был соучредителем знаменитого Венского сецессиона и организатором выставок 1908–1909, которые познакомили художественные круги Австрии с достижениями мирового авангарда. Еще при жизни Климт добился оглушительного успеха у публики и заказчиков, иметь картину его кисти желали самые богатые и влиятельные семьи Европы. В возрасте 56 лет мастер неожиданно умер от пневмонии, оставив большое количество незаконченных произведений, «Портрет женщины в белом» — одно из них.

Стоит обратить внимание на квадратный формат полотна — Климт часто использовал его. Квадрат означает математическую гармонию, равенство горизонтали (мирского) и вертикали (божественного). Эстетская чистота равных линий фигуры, ее уравновешенность как нельзя лучше соответствовали лаконичным, изысканным интерьерам заказчиков Климта, ценителей стиля модерн. Гармония видна и в почти что орнаментальной композиции холста. Автор делит картину пополам по диагонали на черное и белое. Лицо неизвестной дамы он вписывает ровно посередине. Таким образом у зрителя появляется возможность проследить процесс создания художественного произведения. Мастер шел от симметрии и чистых геометрических линий к изящному декоративизму в финальной отделке. У женщины, как и у многих других героинь, очень светлое лицо-маска. Это и художественное преувеличение, и следование моде того времени. Хотя полотно не закончено, оно обладает притягательностью, свойственной работам Климта.

Эгон Шиле

Наряду с Оскаром Кокошкой и Густавом Климтом Эгон Шиле является одним из лидеров венского модерна. Прижизненные выставки молодого живописца проходили в крупнейших художественных центрах Европы, в таких городах, как Вена, Прага, Цюрих, Берлин и Париж. Шиле выработал узнаваемую авторскую манеру, в которой сочетались орнаментальная плоскостность модерна, нервные, экспрессивные линии контура, почти натуралистическая детализация мускулатуры тела. Все персонажи его работ похожи на скелеты и более или менее вторят физиологическим характеристикам самого мастера. В этом специалисты также видят его настойчивый интерес к внутренним, духовным силам человека, символику, восходящую еще к спиритуальному искусству Северного Возрождения. Шиле волнуют человеческие чувства, эмоциональность, они отображены в буквально отталкивающих телесных характеристиках.

Маленького Рейнера художник писал не единожды, один рисунок хранится в музее Метрополитен. Портрет из Бельведера очень остроумный и богатый по отделке. Мальчик представлен в стилизованной восточной одежде и позе. На нем дорогой, хорошей выделки шелковый халат. Доминантой полотна служит насыщенный багряный цвет. Зрителя впечатляет контраст спокойного, расслабленного, буквально медитативного, но монолитного, собранного положения героя и озорного веселья на его лице. Шиле подчеркивает крупные кисти рук ребенка. Удлиненные нервные пальцы — знак душевной тонкости человека и его принадлежности к богеме.

Австрийский художник Эгон Шиле стал одним из самых значимых выразителей эпохи модерн. Выбор темы для работы «Подсолнухи» неслучаен: она написана по следам знаменитых «Подсолнухов» Винсента Ван Гога. Картина мастера была чрезвычайно популярна среди австрийских художников, потому что ее несколько раз выставляли в крупных галереях Вены. Шиле так же, как и Ван Гог, переосмысляет метафору бренности всего сущего, внося в свое произведение мотив становления и угасания. Цветы традиционно служили символом жизни и красоты, обреченных на смерть. Под влиянием Ван Гога подсолнухи писал и другой мастер, Густав Климт, близкий Шиле. Полотно обладает характером почти абстрактной композиции. Яркие пятна цветков вплетены в темные листья. Этот полунатюрморт-полупейзаж олицетворяет круг человеческой жизни.

Работы Эгона Шиле в жанре пейзажа, портрета, ню проникнуты драматическим контрастом сопоставления жизни и смерти, любви и чувства одиночества, статики и динамики. Магистральной линией, основной темой, которая давала импульс творческому вдохновению художника, была тема эротики, секса, телесной любви. Искусствоведы видят в работах мастера творческое преломление идей Зигмунда Фрейда о решающем значении либидо в жизни человека. Наследие Шиле насчитывает сотни графических и живописных работ, изображающих откровенные сцены любви, эротические образы женщин, эскизы сексуальных актов.

Второе название представленной картины — «Любовная пара II, мужчина и женщина». Данная тема роднит Шиле с другим знаменитым представителем австрийского модерна Густавом Климтом, но творчество первого более физиологично, оно экспрессивно в своем натурализме. Художник изображает буквально обтянутые кожей тела, где виден каждый напряженный мускул. Обращает на себя внимание их цветовая характеристика: светлый тон кожного покрова героини и темный — мужчины. Мужчины традиционно изображались с более темным цветом тела еще со времен древнейшего искусства Египта. Значима и общая гамма картины. Шиле работает в палитре постимпрессионистов и авангардистов, такое сочетание оливкового, охристого, бежевого, темно-коричневого и белого, подведенного черным, встречается, например, у Пикассо в период 1907–1914.